Antes de nada, quiero aclarar que este texto no lo he hecho solamente yo, si no que hay mucha gente detrás de él, en especial compañeros de clase. Cuando algo en primera persona, hablo en nombre de todos ellos.
Hoy estamos aquí por el fallecimiento de Eric Méndez, el chino para sus amigos, Eriz para el profesor de Filosofía o individuo para Macrino.
Estos días han sido muy duros para todos, pero creo que él, donde quiera que esté querría que no estuviésemos así, querría que nos riésemos. Siempre lo quería. Como cuando hacía ruidos extraños, o nos ponía motes (tenía motes para todos) o cuando había que firmar cualquier papel en el Instituto, él siempre escribía una X, como los analfabetos. Él era la alegría de la clase. Siempre tenía en mente alguna gracia, incluso en los peores momentos. Además, los que lo conocen a fondo lo saben, el siempre estaba ahí, apoyando y lo que es más importante, te decía la verdad a la cara, te gustase o no. Eso es ser un amigo de verdad. Fue, es y seguirá siendo una gran persona.
Hoy, la clase estaba apagada. De vez en cuando se veía alguna lágrima, que desencadenaba otras tantas. Este sentimiento nos une a decir que todos los familiares que necesiten algo de nosotros sepan que estamos a su disposición, cada uno de sus amigos, compañeros o profesores, para lo que quieran.
Ayer algunos de nosotros hemos venido aquí, y su madre nos lo ha agradecido. Para ella van estas palabras, que salen de la boca de todos: '' Los agradecidos somos nosotros, gracias por traer al mundo a una persona como él''.
Este es el texto que hicimos entre toda la clase de 1º Bachillerato A del IES Rosario de Acuña y que por ciertas circunstancias no se pudo leer en su despedida.
HOLA A TODOS, SOY LA MAMA DE ERIC...QUIERO DAROS LAS GRACIAS A TODOS POR ESTAR AHI,POR CADA PALABRA QUE LE ESCRIBIS AQUI ,QUE EL ESTA LEYENDO PORQUE SEGUIRA SIEMPRE CON NOSOTROS, QUE ERA UN SER HERMOSO Y QUE ESTARA EN VUESTRO CORAZON TODA LA VIDA, QUIERO TAMBIEN QUE SEPAIS QUE ESA NOTA QUE LLEGO A MIS MANOS AYER DESPUES DE DESPEDIRLO ES PRECIOSA, QUE ME LLENAIS DE VIDA CON CADA PALABRA QUE DECIS DE MI HIJO Y QUE OS PIDO POR FAVOR, QUE LO RECORDEIS SIEMPRE CON UNA SONRISA PORQUE EL SOLO QUERIA VERNOS REIR A TODOS..A TODOS GRACIAS DE CORAZON (SOLO PUEDO ESCRIBIR AQUI PORQUE DEL TUENTI NO ME DIO SU CLAVE ASI QUE POR FAVOR OS PIDO A LOS QUE PODAIS COPIAR ESTO EN EL TUENTI PARA QUE LE LLEGUE A TODAS ESAS PERSONAS QUE HABEIS SABIDO AMARLO COMO YO Y A LOS QUE EL QUERIA CON LOCURA.DE NUEVO GRACIAS.
REPARTO DE PERSONAJES: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Commingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, William Alland, Erskine Sandford, Ruth Warrick y Paul Stewart.
Contexto histórico de la película
La película es de 1941, año en el que Europa se encontraba dentro de la Segunda Guerra Mundial, aunque en ese momento los EE.UU todavía no se habían metido y se mantenían al margen. Debido a la aparición de nazismo y fascismo en paises europeos importantes (Alemania e Italia), el país estadounidense se encontraba en dudas. Intervenir o no intervenir, esa era la cuestión. Si no intervenían en la guerra, la población seguiría ignorando la situación del viejo continente. Pero intervenir podría significar la obtención de influencia política y poder económico.
El personaje protagonista (Charles Foster Kane), está basado en un magnate de la prensa norteamericana que gracias a ello se inmisculló en temas políticos y empresariales de los EEUU: William Hearst. Hearst fundó la prensa sensacionalista o más comúnmente denominada prensa amarilla. En este tipo de prensa el único objetivo es el de vender, ya sea engañando o haciando cualquier tipo de cosa. Es un tipo de prensa que se desmarca totalmente del compromiso con la verdad y desprende titulares sin sentido ni veracidad, sólo para atraer la atención de los espectadores. Mientras Citizen Kane estaba en pantalla, Hearst no permitió nombrar la película en ninguno de sus múltiples periódicos e intentó que la película no saliese a flote. Es más, intentó comprarsela a su director (Orson Welles) para que no se pudiese estrenar, aunque no tuvo éxito.
Biografía y obra de Orson Welles
Orson Welles nace el 6 de mayo de 1915 en Wisconsin (Estados Unidos). Desde el primer momento se desveló como un niño prodigio, como una persona inquieta pero llena de sabiduría.
En 1931, tras la muerte de sus padres y una infancia marcada por su gusto a la música y al teatro, viaja a Irlanda, donde se convierte en actor profesional al ingresar en una compañía teatral de Dublín. A los 18 años es ya un exitoso actor en el Gate Theatre de Irlanda. Ese mismo año viaja a España, donde escribe relatos policíacos para revistas, y practica, sin mucha fortuna, el toreo. En ese momento regresa a Estados Unidos.
Entre 1933 y 1937, trabaja en diferentes compañías teatrales de Nueva York en obras de gran éxito en Broadway:
En 1934 empieza a trabajar en la cadena de radio CBS donde dirige e interpreta numerosas adaptaciones de obras teatrales y literarias, imitaciones paródicas de personajes de actualidad, etc. En 1936 estrena en Nueva York su primera producción teatral: una versión de “Macbeth”, de Shakespeare, con el reparto íntegramente negro.
En 1937, Welles funda, junto a John Houseman, su propia compañía de teatro, el Mercury Theater. El 30 de Octubre de 1938 consiguió sembrar el pánico entre sus oyentes al hacerles creer que la Tierra estaba siendo invadida por alienígenas cuando retransmitió “La guerra de los mundos” de H. G. Wells. Su programa fue el ejemplo vivo del hecho de que los medios de comunicación tienen un gran poder de convicción, y es recordado hoy como uno de los más importantes hitos de la historia de la radio
Entre los colaboradores de Orson Welles en esta época podemos destacar a Bernard Hermann, Herman J. Mankiewicz, John Houseman o James G. Stewart
El gran éxito y popularidad de Orson Welles atrajo al nuevo presidente de la RKO, George J. Schaefer, que en 1939 ofreció un excepcional contrato a Welles para producir, dirigir, escribir y actuar en dos películas. Disponía de unas condiciones contractuales que le daban una gran libertad para contratar artistas, técnicos, y un control creativo sobre su trabajo. Esta situación privilegiada de Welles despertaría la enemistad y envidia de buena parte de la industria cinematográfica.
Sin ninguna experiencia previa en el cine, Welles se puso a trabajar ese año para interpretar y dirigir una adaptación de “En el corazón de las tinieblas”, de Joseph Conrad. Pero el proyecto no llegó a buen puerto, de modo que hasta 1940 no pudo empezar a rodar su primera película, “Ciudadano Kane”, película que analiza la psicología y vida de un magnate de la prensa inspirado en la figura de William Randolph Hearst, quien organizó una campaña de desprestigio del filme. Esto le dio publicidad y poco después se la calificó como obra maestra
El filme le prestigiaría como uno de los mayores creadores de toda la historia del cine. No obstante, consciente de su falta de preparación, había buscado buenos profesionales en los que apoyarse. “Ciudadano Kane” fue el resultado del trabajo de un nutrido grupo de profesionales de la industria de Hollywood, dirigidos y coordinados magistralmente por Orson Welles que sacaría lo mejor de cada uno.
Después viajó a Hollywood para reorganizar la RKO y rodó “El esplendor de los Sanderson” (1942), que a España llegó con el nombre de “El cuarto mandamiento”. En ella critica el modo de vida de una familia clásica americana, que vive de las rentas y que está enfrentada con otra familia que invierte en la industria. Es una lucha entre lo viejo y lo nuevo.
En 1943 se casa con Rita Hayworth y se divorcia de ella en 1947 tras el rodaje de “La dama de Shanghai”, una magnífica película.
En 1949, tras el fracaso de taquilla en Estados Unidos y la admiración de los críticos de la primera obra de su trilogía sobre Shakespeare, “Macbeth”; emigra a Europa, donde rodaría, protagonizaría y trabajaría como medio de financiación en varias películas. En 1953 rodaría “Otelo”.
En 1957, vuelve a Hollywood para filmar dos de sus mejores películas: “Sed de mal”, interpretada por él mismo, Charlton Heston y Janet Leight; y “El proceso”, adaptación de la obra de Kafka que rodó y montó él mismo y protagonizada por Anthony Perkins.
Películas:
1941- Ciudadano Kane 1942- El cuarto mandamiento (El esplendor de los Sanderson) 1942- It’s all true 1943- Estambul 1946- El extraño 1947- La dama de Shanghai 1949- Macbeth 1953- Otelo 1955- Mr. Arkadin 1958- Sed de mal 1963- El proceso 1966- Campanadas a medianoche 1968- Una historia inmortal 1973- Fraude
Citizen Kane
La película empieza con una valla en la que está colgado un cartel: NO TRESPASSING (no pasar). Después de un sinfín de fundidos, la cámara hace caso omiso al cartel y nos permite atravesarla, adentrándonos en la mansión de un señor, C. F. Kane. Dentro de la mansión, podemos los labios de Kane pronunciando la palabra 'Rosebud'. Después de pronunciar esas palabras, una bola de cristal se cae al suelo, simbolizando la muerte de éste.
A continuación, comienza uno de los recursos innovadores de Orson Welles, mostrar una película dentro de una película. En pantalla, un reportaje, la historia de Kane, presentándonoslo, para saber quién es. Nos lo muestran como una persona desconcertante, ya que unos dicen que es fascista y otros que es comunista (términos completamente antónimos), muy manipuladora, con sus altos y sus bajos en su vida y muy arriesgado en sus inversiones. Salió de la nada, prácticamente, comprando el periódico Inquirer, un periódico modesto de la época, al que con su manipulación en la prensa al crear el sensacionalismo, catapulta al primer plano de los medios de comunicación.
Después de este pequeño resumen de su vida, nos cuenta su vida completa, con detalle, de la mano de unos periodistas que van a buscar el significado de su última palabra: Rosebud. Para ello, el señor Thompson irá entrevistando a todos y cada uno de los personajes influyentes en la vida de Charlie (como era llamado por sus amigos).
Al principio, Thompson recopila la información de su infancia en el archivo privado del señor Thatcher, tutor legal de Kane durante parte de su infancia. Charlie, durante la parte de su infancia que estuvo con su familia biológica era feliz, un niño normal y corriente, al que le gustaba mucho jugar, y que amaba mucho a su madre y a su padre, aunque este le pegara. Debido a esto, y al descubrimiento de una gran mina que la madre tenía en propiedad, Charlie se fue con el banquero Thatcher. Con Thatcher tenía todas las cosas materiales que pudiese pedir (juguetes, balones, etc), pero no tenía lo más importante para ser feliz, el amor de una madre.
Charlie, al cumplir 25 años obtiene el control total de su capital. Poco después y al no saber en qué gastar el dinero, decide entrar en el mundo de la prensa y compra un periódico: el Inquirer. Su llegada crea mucha espectación. Kane, poco después de adquirir el periódico, comienza a convertirlo en sensacionalista, cosa que al antiguo director del periódico no gusta, pero a Kane le da igual. Más tarde, firma una declaración de principios que saldrá en primera portada de su periódico. El Inquirer también es objeto de su manipulación, ya que él, Charles Foster Kane, es siempre noticia, ya sea por sus matrimonios o por su campaña para ser gobernador de New York.
En esos primeros años de dirección del Inquirer, Kane conoce a Emily, de la que poco después se separará. El matrimonio con Emily se resume en una famosa escena de poco más de dos minutos:
En esta escena, Orson Welles acude al recurso del tiempo para resumir su matrimonio. En todas las escenas los dos personajes están sentados, desayunando. Al principio todo es correcto, normal, pero poco a poco se va degradando la relación y en la última escena se ve cómo Charlie está leyendu su periódico (Inquirer) y Emily está leyendo el periódico de la competencia (Chronicle) simbolizando su total separación. Poco después, Kane fue sorprendido con Susan Alexander, lo que signficará el final de su matrimonio con Emily.
Al divorciarse de Emily, se casa con Susan, a la que obliga a cantar y a actuar, aunque la gente se ría de ella y quede humillada. A Kane no le importaba eso, simplemente quería vender y que la gente pensase bien sobre él. La manipulación de Charlie en su periódico queda realmente reflejada en las distintas ocasiones en las que Susan actúa y es abucheada. Al día siguiente, en el periódico siempre aparecía una gran crítica a su actuación, y en el titular que Susan había impresionado al público, cuando todo eso eran mentiras. Susan decide dejarle y acabar con aquel suplicio después de intentar suicidarse y de mantener múltiples discusiones con Charlie.
A continuación de su depedida, Kane comienza a destrozar la habitación de Susan, simbolizando ira y enfado. Lo rompe todo, hasta que ve una bola de cristal, su bola de cristal, la bola que todavía sostenía cuando murió. Al verla, la coje y se marcha, pronunciando varias veces la palabra 'Rosebud'.
Al final de la película, Thomson desiste en su búsqueda del significado de la palabra rosebud y se marchan de la mansión de Kane (Xanadú) donde habia estado preguntándole al mayordomo por aquella palabra. La última escena de la película se desmarca de los periodistas, permitiendonos a nosotros saber qué era 'Rosebud': el pequeño trineo con el que jugaba en su infancia. Este comienza a arder ya que se estan quemando todas sus pertenencias dentro de su mansión.
La película termina con la chimenea de la mansión echando humo (que podía simbolizar que todo lo que ganó, todas sus pertenencias acabaron siendo humo, es decir, nada) y tal y como empezó: con esa valla y con el catel de NO TRESPASSING.
El cine es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo. Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte.
Historia del cine:
1880: Surge por primera vez una cámara que podía capturar el movimiento.
1892: En Francia, Émile Reynaud da representaciones de su teatro óptico en el Museo Grévin en París
1893:Se crea en Nueva Jersey el primer estudio de cine (Black Maria). La primera película que se presenta fue una serie de tomas que reconstruía un estornudo.
1894: Aparece el kinetoscopio. En este aparato voluminoso se pasan imágenes que al activar una manivela adoptan movimiento.
El 14 de abril los Hermanos Holland exhiben en Nueva York comercialmente una película de cine al público por primera vez.
1895: Edison exhibe por primera vez películas coloreadas a mano.
Los heramanos Lumière: Louis (con un cierto parecido a Manolo Preciado) y Auguste.
En Francia, los hermanos Lumière, Louis y Auguste, inspirados por el trabajo de Edison, crean su propia versión de cámara y proyector llamado cinematógrafo. La primera demostración pública se hace en marzo con la película La Sortie des Ouviers de L’Usine Lumière. Los espectadores sufren un shock tal que piensan que el tren se va a salir de la pantalla.
1896: En Francia comienza la producción del llamado cine-espectáculo: Alice Guy en la casa Gaumont y Ferdinand Zecca en Pathé.
Georges Méliès realiza sus primeros filmes e inventa la técnica cinematográfica.
1897: Se construye en París el Biograph de Herman Casler, primer edificio especialmente diseñado para exhibir películas de cine.
George Méliès fue quien construye en 1897 el primer estudio de cine europeo y crea cerca de 500 películas dentro de los siguientes 15 años como la famosa 'Le Voyage Dans La Lune' (1902), en la que intercala varias escenas surrealistas y efectos especiales. Él también es quien por primera vez introduce el concepto de un guión y una historia para hilar las imágenes, así como el desarrollo de personajes, disolvencias y algunos efectos de edición. Quien perfeccionará estos conceptos será el norteamericano Edwin S. Porter.
1898: El inventor Edwin S. Porter patenta una versión mejorada de un proyector cinematográfico, el cual se empieza a usar para grabar eventos noticiosos.
George Méliés, un hombre muy importante en la historia del cine.
1901: George Méliès realiza el primer plano de la historia del cine en L’homme à la tate de caoutchouc
1902: Se construye en Los Ángeles el Electric Theatre, la primera sala de cine.
1903: Edwin S. Porter produce The Great Train Robbery, primera película (de mayor metraje que las de Méliès) con un guión cinematográfico y con una secuencia cronológica de imágenes.
1904: William Fox, propietario de una sala de cine, es uno de los primeros que conforma una empresa de distribución de películas.
1905: En Alemania, Oscar Messter patenta un sistema de filme sonoro.
1906: En Rusia comienza la producción de cine-espectáculo (Piotr Chardynin).
1907: Émile Cohl inventa el dibujo animado en Francia.
1908: Los hermanos Laffitte fundan Le Film d´Art.
Nacimiento de Hollywood.
Estreno de The adventures of Dollie, primer largometraje de David Wark Griffith.
1910: León Gaumont presenta en la Academia de Ciencias de Francia su cronófono, sistema de cine hablado por la unión del filme con un disco fonográfico.
1912: Carl Lámele funda Universal Films, la precursora de Universal Pictures.
Quince compañías operan en Hollywood convirtiéndola en la capital del cine.
1913: Charles Chaplin debuta en la Keystone con El prófugo.
En Rusia se estrena el primer documental de la historia del cine.
1915: Por primera vez la cámara se libera del trípode y sale andando por la calle detrás de un personaje (cámara en mano) gracias al cineasta canadiense Allan Dwan
1916: Se estrena Intolerance, obra clave de la historia del cine. David Wark Griffith, es autor del primer flashback y del montaje de acciones paralelas; fue el primero, también, en combinar luz artificial con luz natural y el instaurador de la salvación del héroe en el último minuto. Es el creador de las tres leyes fundamentales de la narrativa cinematográfica: acción, tiempo y espacio. Sus películas influyeron en Eisenstein y Welles.
1918: Nacimiento de la crítica de cine. Louis Delluc crea una columna regular sobre filmes en el periódico Paris-Midi.
Primeros largometrajes de Charles Chaplin.
1919: Teoría del cine-ojo (realismo documental) de Dziga Vertov.
Charlie Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith fundan United Artists que llegaría a ser en una de las grandes compañías productoras de Hollywood.
1920: En Alemania se estrena El gabinete del Dr. Caligari, primera película expresionista.
1921: Se estrena The kid, el primer largometraje de Charles Chaplin
1923: Wladimir Zworykin, un exiliado ruso que trabaja para la RCA, patenta el tubo de rayos catódicos, invento que será fundamental para la creación de la televisión.
Bela Lugosi, actor que caracterizó a Drácula.
1925: Muy buena época del cine europeo en el que nacen numerosas estrellas. Es el caso del actor Bela Lugosi (Drácula); exitosos directores alemanes como F.W Murnau (Nosferatu), Ernest Lubitsch (To be or not be, Heaven can wait385); los productores Alexander Korda, el director Michael Curtiz (Casablanca); la actriz Greta Garbo, entre otras.
1926: Presentación en el Warner Theatre de Nueva York de Don Juan de Alan Crosland, primera película sonorizada a partir del procedimiento Vitaphone.
1927: El francés Henri Chrétien inventa la lente anamórfica.
1928: La Academia de Artes Cinematográficas y Ciencias de Hollywood realiza la primera entrega de los premios Oscar.
Estreno de Lights of New York de Bryan Foy, primera película totalmente sonora.
Primeros dibujos animados de Mickey Mouse y de Betty Boop.
Rouben Mamoulian, un director de Broadway de gran éxito, revoluciona el cine con el estilo elegante y fluido de sus películas, entre las que se encuentran Aplause. Esta película es la primera en utilizar una revolucionaria técnica de sonido con una banda sonora de dos canales con diálogo sobrepuesto.
1930: El sonido revoluciona Hollywood en la década de los 30. Las películas sonoras descubren las voces de los actores favoritos del público.
1931: El argentino Quinto Cristiani es el responsable del primer largometraje de dibujos animados sonoro en color: Peludópolis
Scarface
1932: Se estrena el primer corto a colores: Una cinta de dibujos animados de Walt Disney, Flowers and Trees.
Scarface de Howard Hawks, paradigmática obra del género de gangsters.
Después de 1932, el proceso de mezcla de sonido libera al cine de las limitaciones de tener que grabar el sonido en el lugar de rodaje.
1934: Empiezan a regir normas sobre el contenido sexual, religioso y de violencia en las películas.
1935: Se estrena Becky Sharp de Rouben Mamoulian, el primer largometraje a colores.
Los guiones empiezan a tener diálogos ocurrentes y personajes y argumentos realistas. Así mismo, surgen los géneros cinematográficos.
1936: Olympia de Leni Riefenstahl incluye una de las primeras tomas en cámara lenta de la historia del cine.
1937: Los adelantos en los procesos de efectos especiales hacen posible rodar en decorados económicos en lugar de tener que gastar grandes cantidades en desplazamientos a escenarios naturales.
Se estrena Snow White and the seven dwarfs, el primer largometraje de dibujos animados de Walt Disney.
1938: Nace el festival de Cannes que tiene que ser interrumpido durante la segunda guerra mundial.
Charles Chaplin, un genio del cine mudo.
1939: David Selznick y su Selznick International Pictures realiza Lo que el viento se llevó, su mayor éxito. En esa película Selznick insiste en usar palabras de grueso calibre para la época.
1940: Al inicio de esta década, el mundo empieza a alistarse para la guerra y la industria cinematográfica cumple un papel fundamental en el proceso de preparar a la gente, realizar propaganda, difundir noticias, producir documentales y servir como medio para difundir moral y principios.
Alfred Hitchcock, quien recientemente había migrado a América, dirige Foreign Correspondent, una película que termina con una súplica a los Estados Unidos para que reconozcan que los nazis son una amenaza muy peligrosa en Europa y que ellos deben involucrarse con la causa.
Charlie Chaplin protagoniza y dirige en su primera película hablada The Great Dictator, una historia de guerra antifascista y satírica.
1941: En 1941, Orson Welles, un joven de 26 años enamorado del cine, co-escribe, dirige y actúa como protagonista de su magistral película Citizen Kane, considerada como una de las mejores películas en la historia del cine.
Citizen Kane cambió por completo la historia cinematográfica.
Fue un filósofo griego, alumno de Sócrates y maestro de Aristóteles, de familia nobilísima y de la más alta aristocracia. Platón (junto a Aristóteles) es quién determinó gran parte del corpus de creencias centrales tanto del pensamiento occidental como del hombre corriente (aquello que hoy denominamos "sentido común" del hombre occidental) y pruebas de ello son la noción de "Verdad" y la división entre "doxa" (opinión) & "episteme" (ciencia), demostró o creó y popularizó (según la perspectiva desde donde se le analice) una serie de ideas comunes para muchas personas, pero enfrentadas a la línea de gran parte de la filósofos presocráticos y al de los sofistas (muy populares en la antigua Grecia) y que debido a los caminos que tomó la historia de la Metafísica, en diversas versiones y reelaboraciones, se han consolidado. Su influencia como autor y sistematizador ha sido incalculable en toda la historia de la filosofía, de la que se ha dicho con frecuencia que alcanzó identidad como disciplina gracias a sus trabajos.
¿Qué es el mito de la caverna?
El mito de la caverna describe a unos hombres que desde niños fueron encadenados para vivir en el fondo de una cueva, dando sus espaldas a la entrada de la cueva. Atados de cara a la pared, su visión está limitada y por lo tanto lo único que ven es la pared de la caverna sobre la que se reflejan modelos o estatuas de animales y objetos que pasan delante de una gran hoguera. Con la ayuda de un hombre superior uno de los hombres huye, el camino a la salida es difícil pero finalmente sale a la luz del día, la luz lo deslumbraba, le producía ceguera momentánea y dolor, esperó a que fuera de noche para irse acostumbrando a la tenue luz que reflejaba la luna, luego la luz del día al amanecer y, finalmente pudo adaptarse a la luz del sol. Entonces se dio cuenta, de que había vivido engañado toda su vida, con las imágenes reflejadas en el fondo de la cueva, regresa a la caverna diciendo que las únicas cosas que han visto hasta ese momento son sombras y apariencias y que el mundo real les espera en el exterior, le toman por loco y se resignan a creer en otra realidad, ellos solamente creen en la realidad de las sombras que se reflejan en el fondo de la caverna.
Tamaño: Son las dimensiones de la imagen. Normalmente, se dice que una imagen es grande o pequeña.
Formato: Hay muchos tipos de formatos. Con formato nos queremos referir a la forma de la imagen. El formato más frecuente es el rectangular, pero los hay circulares, incluso poligonales.
Imagen rectangular, con los laterales un poco más
pequeños que las bases ( Horizontal Corto)
Imagen rectangular, de nuevo. En esta ocasión
los laterales son mucho más grandes que
las bases (Vertical largo)
Simplicidad o Complejidad
Simplicidad: Que una imagen sea simple no significa que tenga muchos elementos, sino que es fácil de interpretar. Estas imágenes no dicen nada más que lo que representa el objeto.
Esta imagen es muy simple, pero
contiene muchos elementos.
Complejidad: Una imagen es compleja cuando es difícil interpretarla. Puede tener muchos o pocos elementos, pero la verdadera diferencia con la simple es la ya dicha. Expresan significados distintos a las simples.
Imagen compleja, con pocos elementos.
Nivel de iconicidad:
El nivel de iconicidad designa el grado de realismo o parecido de una imagen con respecto al objeto que representa. Se han puesto diferentes escalas de iconicidad (Del 1 al 11)
En esta imagen a simple vista nadie sería capaz de
averigüar lo que significa.(NIVEL DE ICONICIDAD 1)
En esta imagen se ven claramente las casas del fondo
muy pequeñas y las de delante de un tamaño normal.
(NIVEL DE ICONICIDAD 8)
Teoría de la Gestalt: Las formas son percibidas inmediatamente como totalidades superiores a la suma de sus partes. Tales formas nacen de la organización, ordenación o agrupación por el sujeto de los estímulos presentes.La psicología de la Gestalt se inscribe en la tradición filosófica alemana del siglo XIX. Dentro de esa tradición, se cuentan como influencias principales a Immanuel Kant y Edmund Husserl.
1. Ley de proximidad: La unión de las partes que constituyen la totalidad de un estímulo tiene lugar, en igual dad de condiciones, en el sentido de la mínima distancia.
2. Ley de semejanza: se tiende a agrupar los elementos de igual clase, de modo que lo semejante tiende a asociarse mientras que la diversidad tiende a disociar
3. Ley del cerramiento: Las líneas reales o imaginarias que circundan una superficie hacen que se capten los elementos encerrados por sus contornos como una unidad. Por esta ley se aíslan algunos objetos de otros, estructurando configuraciones independientes.
4. Ley de continuidad: Cuando una figura de la que teneos un dato previo se encuentra fracturada o incompleta, es completada por el observador.
5. Ley de figura y fondo: El ojo tiende a separar lo protagónico de lo contextual
6. Ley de ambigüedad: Los roles de figura y fondo se confunden e intercambian. Depende del receptor seleccionar estos roles.
7. Ley de dirección: Esta ley marca una roientación en cualquier discurso visual. La mirada se dirige hacia un determinado sector.
8. Ley de anomalía: Se pone el acento en un elemento por diferenciarse del resto de una serie. Es anormal en el sentido de ''fuera de la norma''.
9. Ley de pregnancia: Tienden a ser más pregnantes las formas con alto grado de simplicidad, contraste y simetría.
10. Ley de simplicidad: Es la ley según la cual ciertas formas, antes complejas, tienden a reducir sus rasgos morfológicos hasta quedar constituidas por pocos elementos.
11. Ley de tensión: Sirve para provocar mayor atención. Hay tensión en el color (contrastes), las líneas quebradas y la ubicación de los objetos fuera de los ejes.
Leonard Norman Cohen nació el 21 de septiembre de 1934 en Montreal y es poeta, novelista y cantante muy famoso. Ha sido galardonado con el premio Principe de Asturias de las Letras hace dos días, entregado en Oviedo, capital de nuestra Comunidad Autónoma, Asturias.
Nació en una familia judía y se crió en Westmount, una ciudad en el Este de la Región de Montreal. Su padre, Nathan Cohen, trabajaba en una tienda confeccionando telas y falleció en 1943, cuando Leonard tan sólo tenía nueve añitos.
En 1951, Leonard comenzó a estudiar en la Universidad McGuill, donde gracias a las clases de guitarra a las que había asistido cuando era pequeño, formó parte de un trío de country-western llamado The Buckskin Boys. En 1956 empezó a estudiar en la Universidad de Columbia, para emular a su gran ídolo García Lorca. Ese mismo año, cuando todavía no se había licenciado, apareció editado por las McGuill Poetry Series su primer poemario, denominado Let Us Compare Mythologies. The Spice Box of Earth, publicado en 1961, fue la colección que le catapultó al reconocimiento internacional.
Gracias a una beca, pudo viajar por toda Europa. Al final de su viaje decidió asentarse en la isla griega de Hydra donde escribió varias novelas como The Favourite Game (1963) y Beautiful Losers (1966). También en esta isla conoció a su mujer Marianne Jenson con la cual tuvo un hijo, el pequeño Axel.
'Para escribir libros, uno tiene que estar en un sitio. Uno tiende a reunir cosas a su alrededor cuando uno escribe un libro. Se necesita una mujer. Es agradable tener niños cerca porque siempre hay comida. Es bonito tener un hogar que esté limpio y ordenado. Yo tenía esas cosas y entonces decidí ser un compositor'
'The Songs of Leonard Cohen' fue su primer álbum
editado por Columbia Records en 1967.
Dejando atrás su hogar, Leonard regresó a los Estados Unidos para establecerse en Nashville y comenzar su carrera musical. Allí, se llenó de éxito en 1966, cuando Judy Collins hizo de su canción Suzanne un gran éxito. Esta canción quiere recordar a la esposa de su amigo íntimo Armand Vaillancourt. Cohen también cantó en varios festivales folk, donde llamó la atención del cazatalentos de Columbia Records, John Hammond. En 1967, Columbia editó su primer disco 'The Songs of Leonard Cohen'. Los temas de este disco tuvieron tanta fuerza que en 1971 se convirtieron algunos de ellos en la Banda Sonora de la película 'McCabe and Mrs. Miller', dirigida por Robert Altman.
En 1977, Death of a Ladies' Man es producido por Phil Spector,Recent Songs, más clásico, sale a la luz en 1979, y en 1984 Various Positions, un álbum muy espiritual que contiene el célebre Hallelujah.
La obra de Cohen no sólo escoge como formato el papel o el disco. Conceptualiza sus propios videos y en 1984 se encargó del guión, dirección y arreglos musicales de "I Am A Hotel" un corto de media hora de duración que obtuvo el primer premio en el Festival Internacional de Televisión de Montreux (Suiza) y fue nominado a los Premios de la Academia.
Colaboró con el cantante/compositor Lewis Furey en "Night Magic" una película de opera rock por la que obtuvo el premio Canadian Juno a la mejor banda sonora de película en 1985.
En 1988, I'm Your Man marca un cambio en su trayectoria en cuanto a escritura y composición. Los sintetizadores están muy presentes y la escritura se ha vuelto mucho más comprometida y adopta tintas de humor negro.
En 1993, Cohen editó una nueva colección literaria, publicada bajo el nombre de "Stranger Music" contenía letras de canciones, poemas y fragmentos de sus diarios.Pasaba la mayor parte del tiempo meditando, reflexionando en los koans y cocinando para su maestro, Sasaki Roshi.
Se produjo un disco homenaje "Tower of Song" (1995) que contenía intepretaciones de temas de Cohen de la mano de artistas de renombre como Billy Joel, Sting, Elton John, Willie Nelson y Bono.
En 1999, después de casi nueve años en el monte Baldy, tiempo durante el cual Cohen fue ordenado como monje zen y recibió el nombre Dharma de Jikan (el silencioso), bajó de la montaña armado con cientos de nuevos poemas y letras de canciones
Sharon Robinson fue una de sus
colaboradoras durante varios años.
Empezó a trabajar en las canciones junto a Sharon Robinson con quien también había coescrito dos temas "Everybody Knows" y "Waiting for the Miracle".
Durante la ansiosa espera de la edición de un nuevo album en estudio, los fans se aplacaron cuando el productor Leanne Ungar rescató algunas de las extraordinarias cintas de los conciertos de Cohen en Inglaterra durante 1979 y lo editó bajo el nombre "Field Commander Cohen - Tour of 1979" (2001)
En 2005, Leonard Cohen denuncia ante la justicia a su antigua representante, Kelley Lynch, por desvío de fondos (5 millones de dólares). En marzo de 2006, Cohen obtiene sentencia a su favor, pero Lynch ignora la sentencia y se da a la fuga. Ese mismo año, Cohen hace aparecer un nuevo libro de poemas, Book of Longing.
En 2007 Philip Glass musicaliza su Book of Longing y ofrece el primer texto de la obra recitado por el propio Leonard Cohen el 1 de junio de 2007 en Toronto, en el Luminato Festival.
El 18 de septiembre de 2009 tuvo un desvanecimiento durante un concierto en Valencia.3 Apenas un mes después, el 20 de octubre, se ponía a la venta el disco Live At The Isle Of Wight 1970, un CD + DVD que recogía la histórica actuación de Cohen en el Festival de la Isla de Wight en 1970 ante 600.000 personas.El 14 de septiembre de 2010 se pone a la venta Songs From The Road, un CD + DVD que recoge 12 temas grabados en diferentes actuaciones de la gira mundial que llevó a cabo entre 2008 y 2009.
Estas son algunas de sus canciones:
'Hallelujah' fue publicada en 1984 en su álbum Various Positions. De esta canción se han hecho muchas versiones, como la del cantante estadounidense Jeff Buckley o la del galés John Cale.
Cohen cantando Suzanne en vivo en la isla de Wight en 1970.
